在《倩女幽魂》那场充满哀伤的告别戏中，人鬼殊途的深情吻别仿佛一把锋利的刀，深深划开了观众内心最柔软的部分。『王祖贤』饰演的聂小倩，在离别时的泪水，成就了华语电影史上最为凄美的哭戏，亦将人鬼之恋的悲怆美学推向了极致。这一场戏之所以能够跨越三十年，依然触动人心，正因为它完美融合了徐克大胆创新的视觉艺术与程小东精妙的武指美学，更因为『王祖贤』通过层次分明的演绎，把鬼魅的妖娆、少女的纯真、复仇的执念与救赎的渴望交织成一幅令人心碎的画卷。
当宁采臣（『张国荣』饰）颤抖着将那道护身符重新贴回小倩的额头时，『王祖贤』的表演释放出惊人的戏剧张力。她的眼神先是略微一愣，随即浮现出恍若隔世的迷茫——这是她作为女鬼第一次感受到人类体温的温暖。在特写镜头下，她那每一次颤动的睫毛似乎都在诉说百年孤寂，直到泪珠终于挣脱眼眶的束缚，观众看到的不是简单的梨花带雨，而是一种几乎透明的破碎感。此哭戏的独特之处在于，『王祖贤』巧妙地运用了戏曲表演中的“欲哭先笑”技巧：嘴角微微上扬，仿佛在庆幸爱人最终得到了解脱，接着笑意逐渐消散，化为眼角涌现的哀伤。这种复杂而微妙的情感转折，使得鬼魂的眼泪散发出超越尘世的强烈感染力。
徐克在拍摄这场戏时，运用了极具突破性的光影语言。他要求杜可风将逆光强度提升到接近过曝的程度，使得『王祖贤』的轮廓被朦胧的光晕所包围。这种光影处理，不仅契合了“鬼魂见光即散”的民间传说，还赋予角色神圣悲剧的色彩。当小倩的衣袂在风机的作用下如泣如诉地飘舞时，画面瞬间呈现出动态的敦煌飞天壁画效果。而道具组的细节设计也别具匠心：那些泪水并非普通人工泪液，而是掺入微量荧光剂的特制液体，在蓝光滤镜下散发出幽蓝光点，仿佛夜露滴落在忘川河畔的彼岸花上。这些电影语言的创新，将中国传统的志怪美学提升到了哲学的高度。
从戏剧冲突构建来看，这场戏堪称完美教科书。表面上看，它是爱情与天命的对抗，深层却暗藏着诸多隐喻：书生手指触碰符咒时所留下的灼伤痕迹，暗示着人鬼界限的不可逾越；树妖姥姥（刘兆铭饰）在地下蠕动的根须，象征着封建礼教对自由恋爱的压制；燕赤霞（午马饰）手中悬而未发的轩辕剑，则代表了世俗法则的冷酷审判。『王祖贤』精准地捕捉到这些潜在的文本信息，当她在金光的笼罩下逐渐透明化时，她的肢体语言展现出一种奇特的矛盾感——上半身仍然奋力前倾，想要最后一次拥抱，而下半身却已开始分解，像飘散的花瓣，这种分裂状态恰好呈现了“存天理灭人欲”的视觉表达。
从文化解读的角度看，这场戏打破了传统聊斋故事中“女鬼害人”的叙事框架。『王祖贤』赋予小倩的哭戏，蕴含着三重觉醒：她意识到自己从曾经的害人工具，转变为真正的爱人；她认知到爱情能够超越生死轮回，具有永恒的价值；最终，她通过自我牺牲，完成了对爱人重生的精神超度。她流泪时，脖颈后仰的独特角度，其实是参考了佛教造像中观音垂泪的姿态，将情欲升华为大慈悲。这种东西方美学的融合，使得她的表演比李翰祥原版电影中的处理更加现代化，也为后来的《青蛇》《画皮》等魔幻爱情片树立了表演的典范。
黄霑大师的配乐为这场戏注入了灵魂。随着《黎明不要来》旋律的缓缓奏起，『王祖贤』的眼泪与琵琶轮指的节奏达成了奇妙的共鸣。特别值得注意的是，在她即将消散的最后一秒，徐克要求『王祖贤』做出“含泪微笑”的表情，这一即兴演绎后来被香港演艺学院收录为“在一秒钟内传递五种情绪”的经典案例。当镜头扫过她留在宁采臣掌心的那滴蓝色泪珠时，观众才意识到这场哭戏背后的终极隐喻：最凄美的爱情，往往是那个未曾完成的吻。
三十多年后回望，这场戏之所以成为永恒的经典，正因为它用最具电影感的方式诠释了东方哲学中的“残缺之美”。『王祖贤』的表演证明了，真正的悲剧力量，并非在于歇斯底里的哭泣，而是在于那些近乎克制的、未曾彻底流泪的瞬间。当现代影视作品越来越依赖特效来制造情感冲击时，《倩女幽魂》却提醒我们：最动人的，永远是那转瞬即逝的人类面庞上的微光。
