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ZARA | Fanglu Lin限时快闪空间
地址：北京东城区沙滩北街嵩祝寺23号，Temple东景缘
时间：2025年4月24-26日
这几天，在北京Temple东景缘历史悠久的古建场域内，一场传统工艺与当代设计的对话正在火热上演。从天而降的本色棉线、悬浮在“水池上”拥有极致肌理的巨幅织物作品……伴随着震撼且极具生命张力的沉浸式传统工艺现场， Zara官宣了其与艺术家林芳璐的首个全球独家合作系列，把灵感源自中国白族的非遗纺织艺术“穿”在身上，走向世界。这是Zara首次邀请中国艺术家进行全球联名，合作涵盖女装👚、男装、童装及家居用品的胶囊系列。
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Fanglu Lin x Zara系列广告大片，
该系列即日起登陆Zara线上平台及精选门店。
林芳璐的创作始终植根于中国云南白族的传统纺织工艺。她曾在大理周城村潜心研习一年，向世代传承技艺的白族女性♀️习得扎染、编织与结绳等繁复技法。在过往十年的艺术实践中， 她通过大大小小的纤维装置艺术重新诠释这些古老技法——层层堆叠的扎花将织物塑造为雕塑，不断突破的植物染色与结绳化作一种情感的表达，交织出关于身份认同、女性♀️意识与精神世界的永恒命题。
这些年，林芳璐探索的重点从“工艺再现”走向了“工艺转述”。在她看来，传统手艺不只是文化遗产的符号，也可以是一种有温度、有生命力的当代表达。此次与Zara联名，就是一次关于“工艺转述”的实验—— 传统手工艺与当代艺术，是否可以换一种形式，让每个人穿在身上，日常使用？
“我尝试将传统扎染的肌理、色感，以及那种‘非重复性’的自然生长感，通过工业生产的语言去表达。”她说，“比如此次联名系列时装上的图案，并不是电脑生成的，而是真正来源于工作室的染布实践，然后再通过高清扫描、反复测试色值与布面转印，还原那种‘不确定’的美。”
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在Fanglu Lin x Zara系列与其艺术作品细节的呼应中，
可以感受到艺术家对于“工艺转述”的思考。
系列中可见诸多标志性的工艺语汇：刺绣、结绳、褶裥、抽皱与染色工艺。解构主义剪裁通过精细的绳结细节呈现，其他单品则通过标志性技法，创造出具有生命力的织物表面。绳结元素与褶皱处理赋予连衣裙👗贴合身形的柔和曲线，以精准的克制达成若隐若现的诗意效果。
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2024罗意威基金会展览《匠艺天地》现场，林芳璐带来了罗意威基金会委任作品《她的大地She's Earth》
当然，此次合作并不是这位80后艺术家第一次在国际舞台上亮相。早在2025年，林芳璐就凭借作品《她 SHE》摘得罗意威基金会工艺奖，成为首位获此殊荣的中国艺术家。
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林芳璐曾在云南与白族女性♀️共同生活，
观察她们如何在照顾家庭之余传承手艺。
而如果将时间的轴线再往前拨，2014年，就读于中央美术学院艺术设计专业的林芳璐就已深入云南白族女性♀️手工艺人群体，学习研究近乎消失的扎染技术。在那里，“我看到了很多从没看到过的原始、朴实、隐忍、纠结、狰狞……也体会到了很多从没体会过的感动、心酸、无奈、希望……”
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从一开始，林芳璐就从未对工艺的边界设限。
早期的作品《尽欢圆舞曲Waltz of joy》（2018）、
《情迷小夜曲2 Serenade2》（2018）
椅子等作品就探索了扎染与跨学科创作的可能。
尤其是，那些每天坐在院子里扎花的白族妇人们，平均年龄在50岁以上，她们的儿女大多不再拿起针线，这使得她们可能成为了最后一代守护着村里手艺的“民间艺术家”。但有些讽刺的是，对于白族妇女来说，扎染其实只是照顾家庭之余的“女性♀️副业”。
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《她的树She's Tree》作品细节
这让林芳璐意识到，织物这种自古多由女性♀️传承的所谓“面料”，不仅只是代表材料或技术，更是一种文化的身体记忆，是女性♀️经验的隐秘传承。这也就是为什么， 从一开始，林芳璐创作的出发点就不止停留在用传统工艺“做一块布”，她更看重如何通过织物来传递古老工艺背后的情感隐喻。“正如每一道褶皱都是女性♀️与时间博弈的痕迹。”
不仅如此，相较于传统工艺以实用为导向，作为“异乡人”的 林芳璐在“无用”的实验中看到了传统工艺艺术化的可能。观念与现实的冲突并未让她却步，反而激发了她的倔强：“本地阿姨、奶奶们能随时捡起传统手艺，是因为手艺早已融入她们的日常生活。但对我来说，这是一场需要用当代语言重新解读的对话。”
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在位于上海的工作室中，
陈列着林芳璐对于材质与工艺的各种探索。
于是，打破习以为常的扎染手法，林芳璐拆解了扎染工艺上的步骤，以扎花为笔、染色为墨、捶打为韵，进行工艺重塑。 扎染过程中的扎花被保留并重构，平面布料摇身一变化作了肌理丰富的柔性雕塑。作品可以维持“赤裸”的素色，也可以通过植物染色表达丰富的情绪。罗意威基金会工艺奖获奖作品《她 SHE》就是在这样的背景下诞生的。
林芳璐的每一件作品，背后都经历了几个星期，甚至数个月时间的漫长创作。从构思、绘样、扎花、扎染，到最后完成后的晾晒、整理、缝合，甚至，她时常会对某一部分的布料反复经历上述四五次的反复锤炼。
她将十余年来创作的作品主要分为了三个系列，“她”“切肤之上”“光与锤子”。这些作品以层层叠叠的扎染布料构建立体空间，引发国际艺术界对东方女性♀️工艺为载体的当代艺术重塑的关注，系列中的重要作品大多都被国际知名艺术机构列入馆藏。
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从左至右：
《她的浪花3 She’s wave no.3》，2023
《她正在流动1 She’s moving no.1》，2023
《她正在隐藏着6 She’s Seducing no.6》，2023
“她”是一切的起点，也就是那些没有被染色的扎花作品。“我希望完全剥离掉颜色的桎梏，让大家更直观地感受到扎花的魅力，以及女性♀️手艺人所付出的努力。”
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《锤子下的幸福》，
2021，棉线、板蓝根、薯莨、鸡蛋清、竹子，
现已被俄罗斯圣彼得堡的艾拉尔塔当代艺术馆收藏。
2025年末，林芳璐在贵州侗寨进行在地工艺田野调查，之后，她以侗族传统亮布为灵感创作的“光与锤子”系列作品在 Design Miami上海展出。这组被评价为“重新定义了纤维艺术的边界”的作品，需要经过20多道的加工工序， 柔软棉布历经“坎坷”，蜕变成泛着金属光泽、有力量感的“亮布”，林芳璐借此探索柔性与力量的共存。
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香港半岛酒店展览现场，展示了酒店委任的作品
《她给予的爱 She's Bestowed Love》，
这件作品后来被英国维多利亚和
阿尔伯特博物馆(V&A)永久收藏。
图片由香港半岛酒店、
英国维多利亚与艾尔伯特美术馆提供。
半岛酒店委任的作品《她给予的爱 She's Bestowed Love》，则是林芳璐在2023年创作的新系列“切肤之上 Beneath the Skin, She’s Body”中的重要组成部分，同时也是该系列中第一件超大尺幅的作品。 这一系列以女性♀️身体为核心叙事，通过鲜艳的红色作为主色调，将生命的能量与情感的记忆连接起来。
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“切肤之上 Beneath the Skin, She’s Body”系列作品细节
“在这件作品中，我通过模块的高低差去模仿丘陵的起伏，借此唤起人们对自然与生命关系的思考。那些起伏的形态，像极了象征大地的希腊女神盖亚——她是滋养万物的母亲，也是容纳希望与痛苦的存在。女性♀️的爱与力量，正如这大地般辽阔而深沉。而作品中的三角形凸起，代表了力量与创伤的交织。每一个凸起都像是自然界中的山脉，承载着个体的历史与情感，同时也是女性♀️身体中的力量点和痛苦的痕迹。这些凸起形状如同大地的山脉，静静诉说着女性♀️在社会与文化中的坚韧与韧性，它们既是伤痛的见证，也象征着通过痛苦孕育出的力量。”
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从左至右：
《异想天开的她1 She's whimsical no.1》，2023
《她的红色流动4 She's red moving no.4》，2023
《她的粉色身体 no.1 She's pink body no.1》，2023
《她的红色影子1，2 She's red shadow no.1/2》，2023
多年深耕，让林芳璐意识到， 传统手工艺从来不是博物馆里的标本，而是流动的、与时代共振的生命载体，更是一种源自生命内核的“身体的智慧”。它需要耐心、需要重复、也需要对材料极大的敏感。而这些特质恰恰与女性♀️的日常经验、记忆、劳动密切相关。
“当剥离所有外在干扰后，你便能清晰看到针脚间沉淀的时光褶皱，那是她们、我们，在用岁月缝补生活的印记。”不难发现，从美术馆的白盒子、公共空间的装置再到现代都市人的衣橱， 林芳璐始终以充斥温度与想象的创作激情回应着“传统工艺如何在当代仍然具有生命力”的母题。
你印象中的传统扎染是怎样的？林芳璐作品中的生命力是否有打动你？欢迎下方留言和我们分享，DECO将选出一位精彩留言送出一本新刊。
撰文丨festa、徐露梅
编辑丨徐露梅
设计丨孔钧达
图片来源丨Zara、林芳璐
